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d’encadrement
Caisse américaine, Bois blanc 15 mm
Caisse américaine, Bois clair 15 mm
Caisse américaine, Bois brun 15 mm
Caisse américaine, Bois noir 15 mm
« Hot-dog sur fond vert » de Donna Glisco représente un hot-dog isolé sur fond uni, dans un style mêlant pop art et hyperréalisme. La frontalité, la mise en scène minimaliste et la suggestion sensuelle de la saucisse détournent l’objet banal en image iconique, entre critique du consumérisme et symbolique corporelle.
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Intitulée « Hot-dog sur fond vert », cette peinture de Donna Glisco s’inscrit dans une veine contemporaine qui réactive les codes du pop art en les associant à une exécution proche de l’hyperréalisme. La toile représente un hot-dog garni de moutarde, posé en lévitation sur un fond vert uniforme, saturé, sans ancrage spatial ni repère contextuel. Ce dispositif frontal et centré rappelle les natures mortes modernisées, où le sujet se détache comme une silhouette publicitaire, figée hors de toute narration. L’absence de texture sur le fond contraste avec le rendu volontairement lisse et modelé de l’aliment, accentuant une tension entre plan pictural et volume suggéré. Le traitement des ombres sous le pain, légèrement excentré, crée un effet de flottement qui évoque certaines compositions de Thiebaud dans les années 1960.
Les couleurs, réduites à une triade primaire – rouge, jaune, vert –, reprennent les stratégies visuelles des affiches commerciales, privilégiant l’impact chromatique sur la profondeur illusionniste. Le format carré et le cadrage serré renvoient aux usages de la photographie publicitaire ou des couvertures de magazines, un motif récurrent dans la critique visuelle du consumérisme. L’objet comestible est ici présenté comme image pure, dénuée de toute fonction nutritive, à la manière des Campbell’s Soup Cans de Warhol, où l’accumulation et la répétition faisaient écran à la réalité du produit. Chez Glisco, ce fétichisme est ramené à son plus simple appareil : un exemplaire unique, frontal, isolé, traité comme une figure totémique.
Dans cette mise en scène, la saucisse, allongée, bombée, soulignée d’un filet de moutarde sinueux, introduit une lecture secondaire, plus suggestive. Par son centrage et la douceur de ses contours, elle renvoie à la sensualité stylisée que Tom Wesselmann projetait sur ses compositions alimentaires, où la nourriture devenait extension du corps. Ici, l’objet industriel se charge d’une ambiguïté formelle, glissant du registre alimentaire vers une esthétique de la suggestion. L’absence de geste visible dans l’application de la peinture participe d’une esthétique mécanique, malgré la main de l’artiste, et prolonge le dialogue entre artisanat pictural et imagerie industrielle. Le fond vert uniforme peut rappeler certains studios de photographie où les objets sont extraits de leur environnement pour mieux les réinscrire dans des narrations marchandes. Le choix du hot-dog, icône du fast-food américain, actualise la tradition de la nature morte en substituant aux fruits et gibiers du XVIIe siècle un produit standardisé, issu de la culture de masse. Le tableau met ainsi en tension la pérennité du médium pictural et l’éphémère de ses sujets, suggérant que même les objets les plus triviaux peuvent accéder à un statut iconographique.
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Impression sur papier Canson reproduisant avec fidélité texture et relief des œuvres telles que peintures et dessins. À encadrer soi-même.
Impression sur toile coton avec trame apparente qui évoque le caractère classique des tableaux peints tout en respectant couleurs et détails.
La caisse américaine est un encadrement premium qui met en valeur les œuvres d’art, en créant l’illusion qu’elles “flottent” dans leur cadre en bois.
« Abstrait urbain coloré » d’Elke Palu représente une scène urbaine minimaliste avec des blocs géométriques, influencée par le constructivisme et le cubisme. L’utilisation des ombres et des contrastes souligne les formes architecturales, créant une composition qui explore l’équilibre entre le chaos visuel et l’ordre géométrique.
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« Abstrait Zen » d’Elke Palu est une œuvre minimaliste qui incarne la philosophie zen. Elle utilise des formes géométriques, notamment des ovoïdes partielles, disposées pour évoquer un empilement de pierres, typique des jardins zen. L’œuvre explore les dualités dans une coexistence harmonieuse, et son style rappelle celui de Yves Klein, Ellsworth Kelly et Paul Klee.
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« American Golfic » de Peer Nuit réinterprète le tableau « American Gothic » de Grant Wood en remplaçant la fourche par un club de golf. Cette modification subtile transforme une icône de l’art américain en commentaire sur l’évolution des valeurs sociétales. L’œuvre conserve le style réaliste et la composition frontale de l’original, créant un contraste entre tradition rurale…
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« Arbres en hiver II » de Diane Darren représente une colline sombre surmontée d’arbres nus, aux branches entrelacées, contrastant avec un ciel uniforme. Une route sinueuse guide le regard vers un horizon masqué. L’opposition entre formes pleines et lignes épurées crée une tension entre fixité et mouvement, ancrage et élévation.
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« Avion de Vinci » de Peer Nuit est une esquisse technique détaillée d’un avion, combinant tracés géométriques, annotations et perspective latérale. Inspirée des croquis mécaniques de Léonard de Vinci, elle explore la fusion entre art et science, questionnant la relation humain-machine et valorisant le croquis comme outil d’analyse et de projection technique.
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L’œuvre « Bar du Tigre » de Peer Nuit invite le spectateur à plonger dans un univers exotique et mystérieux. Le décor du bar, situé dans une jungle tropicale avec une vue sur la mer, est fascinant. Les trois hommes à chapeau, installés au bar, semblent immergés dans leur propre monde, tandis qu’un tigre majestueux peint sur…
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